A tradição da ópera brasileira
O Brasil tem uma longa tradição de ópera.
O país foi um importante ponto no circuito internacional de companhias de ópera. Maestro Arturo Toscanini , fez sua estreia como regente no Theatro Municipal, Rio de Janeiro , então capital do país. Na época, todos os grandes cantores de ópera também se apresentavamo no país como solistas contratados ou como parte de grandes produções. Ao longo da segunda monarquia e primeiros tempos republicanos (cerca de 1850-1950), o Rio foi um importante ponto para o circuito internacional de companhias de ópera.
O imperador Pedro II, queria encomendar uma ópera de Richard Wagner, acredita-se que poderia ter sido Tristão e Isolda. A cena foi recentemente apresentada como parte de outra ópera, do diretor brasileiro Gerald Thomas. Parece que seus conselheiros executivos o dissuadiram da idéia. Sabemos que o imperador gostava de ópera, ele compareceu à estreia do lançamento d’ O Ciclo do Anel de Wagner, em Bayreuth . No livro de visitas do hotel, podemos ver o seu nome com a palavra “imperador” preenchido no campo “profissão”, com a data de sua chegada.
No entanto, a contribuição mais notável que o Imperador Pedro II deu ao mundo da ópera foi a bolsa que ele deu a um compositor de talento extraordinário. Um jovem de uma cidade agrícola que havia desmaiado após a primeira vez que tocou piano para o monarca. Um menino de raça mista em um país que ainda dependia da escravidão para a sua economia. Aquele menino viria a ser o mais promissor compositor de óperas na Itália no tempo em que Verdi já era consagrado e desenvolvia seu estilo mais maduro. Esse menino era Carlos Gomes.
Ópera foi um gênero de grande importância no Brasil até a década de 50. Os teatros ficavam lotados, havia muitas empresas de produção locais. Todos as grandes estrelas internacionais excursionavam por nossas principais casas de ópera. Então algo aconteceu. Alguns dizem que a Bossa Nova assassinou a Ópera no Brasil. Ópera passou a representar tudo o que era para ser evitado na cultura europeia: a face dramática exagerada, a representação fácil emocional. No entanto, muitos acreditam que contribuições estéticas do estilo permaneceram latentes no incosnciente de muita música brasileira sofisticada popular.
O formato canção do início samba é muito influenciado pela ária italiana, em inflexões melódicas e conteúdo dramático, até mesmo no estilo de cantar, até Tom Jobim e João Gilberto vieram junto. As queixas do violonista sobre o excesso de vibrato da cantora Elizete Cardoso , durante as gravações do primeiro álbum de bossa nova sempre, são um ponto de referência na história da música popular brasileira. Bel canto era o estilo vocal principal no momento e fazia muito sentido nos distanciar dele. Bossa é samba com uma atitude de câmara, atenção aos detalhes e um desgosto para bravata dramático.
Carlos Gomes – o Sucesso Selvagem
Nós já tínhamos uma tradição de compositores de ópera. O maior foi Antonio Carlos Gomes – até prova em contrário, ele continua a ser o maior compositor de ópera de todo o continente americano. Na verdade, ele era o único não-europeu a ser bem sucedido em loco, durante a idade de ouro da ópera italiana. Em qualquer caso, ele foi o primeiro compositor Mundo Novo, cujo trabalho foi aceito na Europa.
Carlos Gomes era brasileiro, de raça mista. Ele era conhecido por arrumar o cabelo com um aparelho de ferro. Ele era de uma geração mais jovem que Verdi, ainda admirado pela tarde e seguiu apaixonadamente pelo público italiano. Devemos lembrar que Leopold Mozart (pai) só foi satisfeito com o reconhecimento de seu filho, uma vez que tinha sido aprovado na Itália. Leopold temido e venerado Itália, a pátria da música clássica. Ele só foi completamente assegurado o notável talento de seu filho depois que o menino havia sido aclamado pelos mestres italianos.
Carlos Gomes foi simplesmente adorado na Itália. Menor de Verdi, ainda mais de Puccini; em um determinado momento, entre a estréia de seu primeiro poucas óperas e suas produções de sucesso, ele era o compositor mais amado pelo público italiano. Verdi é rumores de ter sido um de seus admiradores. Um compositor de sucesso em um mercado lucrativo, Gomes tornou-se rapidamente rico, tão logo suas primeiras óperas foram encenadas na Europa. Um homem de origem humilde, que tinham vindo de uma pequena cidade agrícola, ele festejava neste riqueza recém-descoberta. Gomes construiu um palácio em Milão, ele chamou Villa Brasil, com árvores importadas da pátria, uma estufa, enormes estátuas de personagens de seu grande sucesso “O Guarani”, muitas extravagâncias … e então ele perdeu tudo em um período de seca criativa que durou mais de dez anos. *
Parece que Carlos Gomes teve problemas com parte do selvagem inspirado (il salvagio), que ele tinha que jogar. Ele passou os exames no Conservatório de Milão e provou seu valor, em grande medida devido ao sucesso de sua ópera Il Guarani . O Peri personagem principal se tornou um símbolo cultural na discussão intelectual sobre a identidade nacional, que teria lugar mais tarde, na primeira metade do século XX. O herói brasileiro nativo que salva sua amada Ceci de uma inundação foi sorteada todas as alusões óbvias europeus ao idealizada “bom selvagem”.
Carlos Gomes-se, aparentemente, lutou com isso, já que ele não iria escrever outra ópera com um tema brasileiro até Il Schiavo, mais tarde em sua vida. Foi um momento em que o público respondeu bem às óperas, com um cenário exótico. Ele escreveu sua música nas regras do mercado italiano e ele lutou com ele, sempre lutando com seus libretistas italianos e destruindo primeiros atos de óperas.
Gomez chegou à Itália como um jovem músico de origem humilde e olhares selvagens que queriam aprender com os mestres italianos. Ele queria provar seu valor no mesmo idioma dos padrões europeus. Ao longo da história cultural brasileira Carlos Gomes tem sido criticado e usado como um símbolo para a artista que exerce a estética europeias e, ao mesmo tempo, para ratificar estereótipos étnicos.
Mario de Andrade, poeta, músico e teórico, e autor do romance Macunaíma chapéu apresentar o personagem que seria um contraponto ao mítico Peri idealizada. Ele foi o único que veio para defender Carlos Gomes e Peri em um debate acalorado que é bem documentado em um livro recente que os relatórios sobre a percepção de Carlos Gomes na cultura brasileira: “Carlos Gomes: Um Tema los Questão”, de Lutero Rodrigues (Unesp 2011).
A música de Carlos Gomes é o italiano em construção e orquestração, nas expressões idiomáticas vocal e arquitetura harmônica mas é também cheia de muito brasileiros aspectos melódicos que são tão queridos aos nossos corações. Esta ingenuidade melódica tinha conquistar o coração de tantos italianos e outros contemporâneos. Seu mérito musical é inquestionável.
Il Guarany, Fosca, Lo Schiavo, ou qualquer outro de seus 12 óperas, o são todos os trabalhos realizados muito. Há gemas escondidas, especialmente nas seções seu chifre que trazem à mente a sua educação como o filho do diretor da banda local. Há uma série de possibilidades teatrais que ainda podem ser explorados dentro da música Gomes. Oi trabalho mais famoso, Il Guarany, deve ser considerado para o repertório de qualquer companhia de ópera séria, especialmente nas Américas. Não só para o valor cultural e histórico destas óperas, mas principalmente para a beleza da música. Esta trilogia principal , Pode ser apreciada até em formato de concerto cantata.
Infelizmente nós não temos realmente uma produção madura de Carlos Gomes. Gomes era um perfeccionista. Ele destruiu os manuscritos de algumas vigésimo primeiro-atos, queimando por impulso o trabalho de meses de trabalho em óperas diferentes, sempre lutando com os libretistas italianos, sempre visando a excelência artística e perfeição. Brahms, que também destruiu a maior parte de seu trabalho, teve que entrar em acordo com o fantasma de Beethoven; Gomes teve de lidar com a vida de Verdi. Mais do que isso, ele teve de lidar com o desafio de superar os preconceitos de uma cultura racista.
Ele precisava provar que um compositor de sangue misturado a partir de uma remota cidade rural nos trópicos pode ser tão bom quanto um compositor melhor da Europa, e ainda melhor. Ele provou seu ponto, embora ele possa ter sacrificado muito de seus impulsos artísticos em uma busca por alguma ópera inatingível idealizada. Este é um campo onde a impressão duradoura de um compositor é dependente de uma saída considerável, foi uma cena em que um compositor teriam de ser estréia novas óperas regularmente e, assim, desenvolver sua habilidade. Podemos testemunhar o desenvolvimento musical e artística de Verdi e Puccini, ambos se tornaram compositores melhores em seu estilo maduro. Podemos apenas imaginar o que todos os manuscritos que Gomes queimadas teria soado como, mas a sua luta interna é um testemunho da época em que ele viveu e ao poder o indivíduo a superar condições desfavoráveis. Uma boa biografia está disponível pelo romancista Rubem Fonseca: O Selvagem da Ópera.
No entanto, há algo bonito sobre a tensão sutil entre a sua música e as palavras italianas, especialmente nos momentos em que eles realmente travam. Gomes deixou tudo é de alta qualidade e deve ser considerado para o desempenho sério.
Villa Lobos também escreveu uma ópera poucos. Magdalena está em Inglês, Yerma tem um libreto espanhol. Ambos os compositores tiveram problemas com ser rotulado étnica, como se ela poderia diminuir o crédito ao seu ofício. No entanto, eles também se esforçou para imprimir a marca da profundidade de suas origens culturais, cada um à sua maneira peculiar.
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Bossa Nova veio quando uma mudança histórica exigiu um estilo oposto estética. Foi em parte uma afirmação de que nós compartilhamos da linhagem jazz da música popular por uma veia separado, mas paralelo de influências culturais. Foi também uma afirmação da identidade nacional que se apropriou sutis elementos harmônicos sofisticados da música clássica expressionista, ao rejeitar os exageros e excessos dramáticos dos estilos sinfônico e operístico. Bossa Nova colocar samba na sala de concerto, em um ambiente de câmara. A arte de alta do estilo tornaria internacionalmente respeitado.
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Antropofagia
Na década de 1920, os modernistas brasileiros fundaram o Movimento de arte Athropophagic. A arte-Cannibalists. Este conceito é crucial para entender a arte brasileira desde a mais e muito de antes. Há uma tensão inerente entre absorvendo a grande arte do colonizador, rejeitando-o na sua essência, mas também criar algo único que prova o valor de uma cultura que pede para provar sua autonomia, mas luta para chegar a termos com sua herança colonial. De muitas maneiras artistas brasileiros se comportar como uma criança ou um adolescente que ainda olha para a aprovação do pai, ainda quer esta aprovação a ser concedido em seus próprios termos. Há uma tensão inerente ao nosso salário para as nossas raízes nas culturas indígenas e Africano e da escolha de elementos a serem absorvidos alta cultura européia. No início de Samba, por exemplo, há uma paixão óbvia para mergulhar no poder dos tambores africanos herdados, mas também uma sofisticação melódica e harmônica discurso que se origina da tradição clássica européia, isto é especialmente perceptível nas obras populares de Chiquinha Gonzaga ( Também lembrado como uma feminista precoce).
O conceito de canibalismo foi essencial para libertar nossos artistas dessa luta amaldiçoado. Devemos lembrar o contexto em que o canibalismo acontecia em culturas tribais, todo o novo continente, a partir do extremo sul da América Latina para as ilhas remotas do Havaí. Uma prática que data provavelmente de um tempo muito remoto, uma prática no início da história humana não registrada.
Na percepção Europeia, o fato marcante é o consumo de carne humana, mas que só fala com a superfície muito do simbolismo inerente e complexo sistema de valores. O canibalismo não foi feito para satisfazer todas as necessidades nutricionais, era um ritual. Um ritual para assimilar as qualidades do estrangeiro, apenas bravos guerreiros merecia ser comido. Mas isso não é tudo, primeiro o estranho seria levado para a tribo, assimilada e mulheres disputariam sua empresa e ter seus bebês, suas habilidades serão aprendidas e avaliados. Só então se poderia ser submetido ao sacrifício ritual e consumo. Um verdadeiro guerreiro iria provar bravura diante da morte. Aparentemente, muitos europeus que voltou a contar os contos do Novo Mundo e de escrever livros sobre os selvagens eram apenas covardes que não foram totalmente apto para o ritual e ninguém iria querer comê-los.
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Música de Câmara e Bossa Nova
O desenvolvimento harmônico da Canção Brasileira
Se Villa Lobos trouxe a música popular brasileira na tradição clássica, Tom Jobim trouxe a música clássica à tradição da canção popular brasileira.
Antonio Carlos Brasileiro Jobim foi um compositor totalmente treinados clássico, mas ele também pegou um monte de estilos populares brasileiros e de outros músicos populares. As raízes de seu estilo harmônico estão em Chopin e Debussy, mas também em Pixinguinha, João Pernambuco, Ernesto Nazareth, Villa Lobos. Ele também pegou um monte de seus contemporâneos, as harmonias de guitarra do João Gilberto eo piano de João Donato.
A influência do Jazz não é realmente tão grande como alguns podem pensar. É claro que ele estava familiarizado com Gershwin e Cole Porter e da música popular norte-americana teve certamente um lugar na formação do formulário. No entanto, Jobim escreve música vocal que enfatiza os intervalos dissonantes sobre o acorde, a melodia, muitas vezes encontra-se na Maj7th, mesmo em músicas simples como a Vivo Sonhando ea Garota de Ipanema. Apesar de que pode ser encontrada no estilo interpretação de algumas grandes cantores jazz iniciais, não é uma característica da composição até mais tarde.
Sua música mais popular: “Garota de Ipanema” tem um tema principal, que insiste no dia 9, o M7 eo sexto do acorde I. Nunca toca a 1, 3, 5, (para ser justo, há um momento em que toca a uma breve, mas como 7 do acorde ii) os tons de ancoragem de praticamente qualquer música popular até então. Na verdade, a melodia resolve em 5 e só realça a 1 da chave principal, quando, na verdade, a melodia modula para a chave do napolitano. Em seguida, o 1 torna-se a M7 da nova chave.
Todas essas harmonias implica em um artesanato sólida fundamentada nas obras do repertório clássico, embora estilisticamente está intimamente relacionado com o vocabulário harmônico sutil de Chopin e Debussy. O segundo tema é uma modulação que poderia caber a ele secção exposição da forma sonata padrão, embora a sequência modulador é ousado e oblíqua, onde a seqüência é harmonizada no maior que em menor e, em seguida, um segundo, como se fazer um intervalo declaração que liga o padrão de modulação para o intervalo que domina o primeiro tema principal. A segunda seção, muitas vezes engana o músico inexperiente. No entanto, isso é música de Jobim de rádio mais popular amigável. Poucas pessoas que estavam vivos ao longo do século XX seria deixar de reconhecer a melodia de “Garota de Ipanema.
Esses recursos estavam presentes na música romântica da tradição clássica, mas na música popular vocal há uma questão de ênfase que precisa ser tratada. Estamos falando de um grande sucesso comercial, que compete com os Beatles em número de ânimo versões gravadas.
É claro que Jobim não foi apenas interessados em escrever uma canção fácil memorável. Ao longo de sua obra, há um desejo de profundidade musical, uma certeza de que a bossa-nova pode ser arte. Jobim já havia escrito duas sinfonias antes de se tornar um compositor de sucesso. Ele é único entre a tradição brasileira em composições que ele tinha uma sólida formação clássica. No entanto, ele deve muito à alta qualidade da embarcação, que tinha sido estabelecido antes que ele veio junto. Eu fim de compreender verdadeiramente originalidade Jobim e contribuição, devemos mergulhar fundo na música de Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Donga, Noel Rosa, Valente Assis, e mais profundamente as melodias primeiros religiosos de diferentes origens que foram preservados na tradição popular .
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O Violão Brasileiro
Tanto o Português ea tradição espanhola tem um gosto para instrumentos de cordas portáteis, tais como a guitarra do Cavaco, o alaúde, o bandolim. Eles levaram esta paixão para o novo mundo. Eles provavelmente hereditária que dos 600 anos de domínio árabe. O ukalele é uma invenção Hawaian de uma cópia nativa do cavaquinho viola Português, com uma afinação diferente.
A guitarra cruzou o oceano para o Brasil como um instrumento polular, um instrumento dos camponeses, dos marinheiros. Se tivéssemos que estabelecer um paralelo entre a exclusão social brasileira, é freudiana relação cultural com a cultura da pátria, rejeitado e cobiçado, poderíamos estabelecer a intrumetation deste diálogo com a guitarra como o ícone que representa a classe trabalhadora. A guitarra é um instrumento que lutou para a aceitação no mundo da música séria. Como tais composições de música de guitarra muito cedo brasileira mostra aspectos de contraponto e estruturas de construção deliberada que este sinal desejo de provar o valor dessa música para a aristocracia local.
É interessante que este instrumento portátil de tons quentes não se mistura bem em conjuntos de câmara e menos ainda em casas de ópera. Se olharmos mais de perto para a música de guitarra de João Pernambuco podemos ouvir estas descidas cromáticas de acordes diminutos que podem lembrar-nos de tarde Chopin romântico ou Wagner. Ele era um homem de origem humilde, que é suposto ter embora alguns guitarra informalmente para Villa Lobos, na periferia do Rio de Janeiro. Mais tarde Villa retornou o favor de cavar um emprego no conservatório ao compositor envelhecimento. Villa Lobos também expandiu o legado escrevendo um conjunto de composições de guitarra que deu a guitarra clássica de um repertório de inéditas proporções históricas.
Villa Lobos é o compositor que define o terreno para o desenvolvimento do estilo violão bossa nova e os avanços técnicos subseqüentes e harmônico do violão popular brasileiro.
Em muitos aspectos, a música popular brasileira desenvolvida em um caminho paralelo ao jazz norte-americano, mas muitas diferenças contrastantes. É claro que ambos os países partilham uma história comum da colonização e uma economia baseada no comércio de escravos e as fusões culturais e conflitos que podem surgir. Em ambas as tradições, há músicos de grande sofisticação técnica que parece desafiar a divisão entre música popular e totalmente anotada. Não é por acaso que muitos padrões brasileiros foram incorporados ao repertório de jazz. Músicos de ambas as tradições foram ouvir e dar atenção ao outro desde que o rádio e gravações foram disponibilizados, e mesmo antes através de cruzeiros e excursões de pequenos grupos em ambas as direções. Jazz de Nova Oleans foi introduzido para o Rio tão cedo quanto 1912. No entanto, o desenvolvimento harmônico e estético da música popular brasileira e do jazz são bastante distintos. Eu uso MPB como um termo genérico que engloba bossa nova e samba cedo, incluindo instrumentistas contemporâneos como Egberto Gismonti e Pascoal Hermetto e, claro, toda a cultura de compositores que foram de alguma forma marcadas pela estética do movimento tropicalista.
Tópicos ambos brasileiros e americanos compartilham um interesse em complexidade harmônica, evitando tríades ou usá-los em novas progressões modais. Enquanto no Jazz a ênfase do expressivo desenvolvimento de materiais musicais está na harmonia estendida que pode ser sobreposta sobre progressões tradicionais que foram aprendidas pela memória, de forma a criar uma rede segura e inspiradora de um porto de desembarque seguro para que o solista pode improvisar, torcendo um tema introduzido pela seção rítmica. Assim, a onipresença da progressão ii-V, de variações sobre a progressão de blues e mudanças de ritmo. É claro que existem grandes compositores norte-americanos que expandiram a forma de canção para seus limites, com modulações imprevisíveis e formas estendidas. Nomes como Duke Ellington, Charles Mingus e Thelonious Monk deixou uma impressão em muitos ouvidos ao sul do Equador. A sua música ressoou com a sensibilidade local. No entanto, no Jazz a ênfase da profundidade de expressão artística permanece no fio significativo e sempre de improvisação ao vivo.
A improvisação desempenha um papel um pouco menor na tradição brasileira. Muitas vezes solos curtos entre as seções vocais; mesmo em música instrumental contemporânea, que é fortemente influenciado pelo jazz o espaço para a improvisação é normalmente menor do que na vertente norte-americana. Os álbuns mais bem sucedidos instrumentais parecem ser aqueles em que momentos aparentemente improvisados são, de fato ensaiados ou escritos por extenso. Um excelente exemplo desta reinterpretação do ambiente descontraído aparente musical é a obra de Moacyr Santos, onde muitos dos solos aparentemente improvisados são de fato totalmente escritos.
A cena instrumental, apesar de importante no Brasil, ocupou um espaço que foi dominada pela prática composições que derivada de bossa nova a necessidade de invenção harmónica e um padrão de pintura palavra sobre poesia sofisticada cheio de aliterações e instâncias de escolhas musicais de vogais que levam precedência sobre significado ou que podem gerar novas e interessantes significados poéticos.
O post cena bossa-nova envolvente Chico Buaque, Caetano Veloso e Gilberto Gil teve de lidar com as expectativas de um alto padrão de artesanato musical. Eles eram guitarristas e, com a exceção de Gilberto Gil, que foi classicamente treinado no acordeão, todos eles foram treinados informalmente, de ouvido.
Jobim era pianista. Ele poderia ter sucedido internacionalmente como um compositor de sinfonias, se não tivesse sido seduzido pelo poder expressivo da música popular na altura o movimento da bossa nova. Próximo a ele encontramos a personalidade de João Gilberto, um guitarrista e cantor que definiu o som de bossa e criou a assinatura sussurrou voz do estilo, dramaticamente contrário do estilo flexionada belcanto vocal de samba, predominante até então. Seu estilo de guitarra também determinou a abordagem para o acompanhamento da canção brasileira depois disso.
O instrumento tornou-se o núcleo do acompanhamento de vocalistas, não obstante as suas aparências como um instrumento solo responsável tanto pela melodia e harmonia. Ao longo do desenvolvimento do violão popular brasileiro, o tratamento do instrumento desenvolvido a partir de posições de acordes fixos que podem ser ligados através de linhas de baixo diatônica e cromática de uma paleta totalmente maleável, onde as seis cordas são tratadas como seis (ou menos) as vozes independentes que podem ser tratado em contraponto com uma liberdade que aumenta progressivamente, como novas combinações intervalares são constantemente perseguidos, pela originalidade e como um sinal de sofisticação. Quando chegarmos ao universo musical de Guinga, podemos ver a linha vocal navegação de uma tapeçaria de harmonia dentro da guitarra que é ao mesmo tempo fresco e contraponto intrincado.
Limito este texto para um pequeno número de compositores, como o objetivo desta não é para dar conta da variedade da música produzida. O objetivo aqui é simplesmente de tirar uma foto de linhas de interligação da história, que também têm uma conexão com o desenvolvimento técnico e artístico da música brasileira em geral, uma vez que reflete o fundo cultural.
O Desfile das Escolas de Samba como Ópera
Não é mera coincidência que a primeira ópera que nunca foi realizada como parte da comemoração do Carnaval em Renascença Florença.
Beija-Flor escola de samba – 1989
Joãosinho Trinta foi um diretor famoso brasileira de desfiles de Escolas de Samba do Rio de Janeiro, Brasil (carnavalesco). Talvez a única pessoa que mudou a estética do desfile principal no Rio algumas vezes durante os anos 80. Joãosinho Trinta apresentou um padrão para a extraordinária riqueza de exuberância nos figurinos e ele ampliou o cenário, criando novas dimensões de impacto visual no desfile principal. Ele é famoso por sua resposta aos críticos: “só os intelectuais, como a pobreza, o luxo das pessoas pobres como”.
Seu estilo foi logo a ser copiado por todas as escolas de outros concorrentes de Samba. Em 1989, ele revolucionou o desfile pela segunda vez, quando ele chamou a atenção para o elemento de ópera de Carnaval e trouxe para a Avenida Marques de Sapucaí um desfile que era vazia de qualquer elemento brilhando e usou a estética do lixo para imprimir uma imagem sem precedentes na história do evento. O desfile da Escola de Samba Beija Flor esse ano marca uma mudança histórica na evolução do gênero. A imagem mais forte do desfile era o Cristo, um marco turístico no Rio que teria sido representado como um mendigo gigantesco, mas devido a uma proibição articulada pela Igreja Católica acabou desfilando sob um véu de plástico preto, que fez o mesmo forma mais escura ea afirmação social mais forte.
Há Muita Ópera na MPB
A configuração dramática nas canções de Noel Rosa e Chico Buarque.
A poesia urbana de Noel, desde que o quadro para retratos dramáticos que perfuraram o coração de um novo público que estava aprendendo a interagir com o fenômeno moderno do rádio e do microfone. Noel deu forma ao samba-canção desenvolvido, um trabalho refinado de arte que emprestou suas nuances melódicas das entonações orgânicos do Português falado atual. Era uma forma específica, que ofereceu uma nova liberdade, mas também o desafio de uma arte altamente sofisticado com o potencial de atingir a um grande público, espalhados por uma nação continental que partes muito nessa língua. Chico iria pegar no legado de Noel, acrescentado pela sofisticação harmônica e legitimidade arte elevada que a bossa nova tinha criado. A bossa nova geração está entre Noel e Chico, Noel era um pouco mais jovem do que Villa Lobos e cresceu em uma época em que a música de Carlos Gomes estava sendo reavaliado e foi ainda realizada.
Chico Buarque de Holanda poderia ser dito ser o Shakespeare brasileiro. Há muito que liga ambos os artistas, especialmente na qualidade dramática, no polonês refinado do idioma, mas acima de tudo porque as duas palavras encontradas que viria a ser significativa e memorável para tanto a elite intelectual e do povo comum. Eu afirmo que a qualidade dramática da ópera permanece dormente sublinhado muito das canções populares que o cenário cultural do Brasil em forma de pensamento dos anos 60 e 70 e, em certa medida passou para uma linhagem de novos artistas.
Caetano Veloso e Gilberto Gil ambos têm um lugar semelhante no panteão dos grandes compositores modernos emergir da bossa nova. No entanto, transborda sua poesia em lirismo pessoal e crônicas de lutas culturais, repórteres de considerações metafísicas. Eles representam a tradição do bardo, o compositor como comentarista e observador inspirado da realidade. A amizade icônico que transpira amor e carinho em sua forma mais pura, feita em um produto da mídia em um momento em que o conceito do início pop ainda era um pouco ingênuo e permitiu a transgressão legítima. Os tons mistos de suas cores de pele traduced as imagens mais positivas que os brasileiros gostam de associar a nós mesmos. Eles oferecem sinceras críticas dos nossos shams próprios e na sua atitude como figuras públicas, prefiguram um exemplo do que pode parecer como uma nação, e muito do que há de melhor da nossa cultura carinhoso.
No entanto, o drama que Caetano e Gil nos oferece não é de natureza lírica. Chico Buarque conseguiu construir seu lirismo em uma persona que nunca superexposta o artista, tanto como isso seria possível, sob o escrutínio da imprensa local por décadas. Chico ainda protege seu núcleo interior privado sob um artista tímido com uma atitude humilde e uma entrega poética que está cheio de personagens. Ele consegue dar dramas completa com arco pleno de desenvolvimento e resolução de conflitos, tudo dentro do rígidas restrições de 4 minutos canção de rádio-friendly.
É claro, Chico Buarque não é apenas um compositor, ele é um escritor de prosa premiada, e um poeta de quem muitos tratados acadêmicos foram escritos. Ele também foi bem sucedida no gênero teatro musical, do qual veio muitas de suas canções mais memoráveis, como Gota d’Água e Barbara. Entre muitos brasileiros, os compositores mais amados em um país de compositores, nos anos dourados da música brasileira. Ele ainda escreveu a “Ópera do Malandro”, que é lírico em sua história absurda, embora estruturalmente moldado como uma comédia musical. No final, o compositor apresenta o público com uma série de árias de ópera famosa, com palavras reescritos. Há uma declaração cultural sobre a cultura europeia, em contraste com as nossas formas populares e ainda um sinal de que o compositor estava plenamente consciente das tradições italianas e germânicas. Ele é capaz de citar e fazer sátira do estilo operístico, ao mesmo tempo fazendo um tributo ao gênero e se distanciando, como forma de manifesto de integridade artística.
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